當代唐人藝術(shù)中心榮幸地宣布，將于2024年7月13日下午4點在北京第二空間呈現(xiàn)國際藝術(shù)家群展“閾限接處”。展覽由拉瑞斯·弗洛杰（Larys Frogier）策劃，匯聚9位（組）著名藝術(shù)家和新興藝術(shù)家的60余件代表作品。

這些藝術(shù)家的作品展示了我們轉(zhuǎn)型中的自然、文化、社會和數(shù)字世界中各種材料和元素的微觀探索。藝術(shù)家們給予了在獨斷的二元對立思想體系和主流權(quán)力結(jié)構(gòu)中常被忽視的生命的沙沙聲以微妙、深刻且批判性的關(guān)注，通過大膽表現(xiàn)不斷進化的形式、色彩與紋理，在提供對生命的全新感知的同時，創(chuàng)造了開放的語言形式。

當某事物位于我們感知的極限時，它就被認為是“閾限的”。我們的感官無法完全感知它，但如果我們足夠關(guān)注生命體、人造部件之間的微觀接觸地帶，“閾限”便會顯現(xiàn)，反映出生命作為一個持續(xù)的創(chuàng)造過程所照映的更深刻的東西。在文化圖像學與集體記憶、本土實踐與虛擬現(xiàn)實、科學與藝術(shù)史的交匯處，“閾限接處”的藝術(shù)家們培育了兼具變革性和創(chuàng)造性的實踐，揭示了生命體、人工制品與技術(shù)之間更為微妙復雜的相互關(guān)系的強大轉(zhuǎn)變。

深刻感知生命并培養(yǎng)彼此之間的建設性關(guān)系的方式正在變得愈發(fā)寶貴。在癡迷于快速的工業(yè)/技術(shù)/數(shù)字發(fā)展、經(jīng)濟增長、大眾消費主義和不斷創(chuàng)新的社會中，速率（Speed）是用來衡量在短時間內(nèi)實現(xiàn)的驚人變化的常用詞。在藝術(shù)領(lǐng)域，二十世紀初的未來主義運動以及今天對“數(shù)字技術(shù)”的狂熱使用/誤用，將一切變化等同于速率的思維慣式反映了一種試圖將形狀、聲音、圖像、空間、物種、以及生態(tài)系統(tǒng)等全部完美化的意識形態(tài)烏托邦。

如果我們從完全不同于速率、生產(chǎn)力和完美的角度來看待運動和變化，那會怎樣呢？從粒子、光線、空氣、表面、形狀、顏色、固體物體以及人之間的閾限接觸地帶來觀察變化和運動又會怎樣呢？

在（天體）物理學中，科學家們通常使用“速度（Velocity）”，而非“速率”，來描述粒子、聲音、光線、物體及圖像等的時間/運動/位移與方向、大小、重力、時間、質(zhì)量或動量、阻力、摩擦力等不同參數(shù)之間更復雜的方程式。此外，在物理學和流體動力學中，“阻力”被稱為“流體阻力”，是一種作用在任何相對于周圍流體運動的物體上的相反的力。在海洋科學中，透光帶，也稱為陽光區(qū)，是水體最上層，它能夠接收陽光，讓浮游植物可進行光合作用，從而產(chǎn)生70%以上的地球氧氣。海洋的最底層或無光帶，即深海區(qū)（1000米深及以下），則被認為是位于透光帶和弱光帶之下的黑暗區(qū)域，涵蓋大部分海洋水域。事實上，無光帶并不像我們想象的那么黑暗：在深海中，最近發(fā)現(xiàn)并研究了未知的物種，它們?yōu)榱嗽谏詈Ｖ猩?，進化出了不同的形狀、顏色和光譜。不幸的是，為了所謂的“綠色能源”，不同海洋的無光帶已開始被開發(fā)和破壞，以開采制造電子用品、人工智能和虛擬現(xiàn)實技術(shù)所需的大部分礦物質(zhì)。

展覽“閾限接處”通過挖掘“微觀和宏觀能量來源”，在當代藝術(shù)留下了深刻的印記，推動了創(chuàng)作領(lǐng)域的社會和文化批判性、感官和情感體驗、遠見和精神視角。當社會癡迷于簡單的二分法，例如新與舊、傳統(tǒng)與創(chuàng)新、本土與數(shù)字、北方與南方、宇宙與多重宇宙，藝術(shù)家們?nèi)绾斡|及圖像之外的領(lǐng)域并發(fā)展藝術(shù)姿態(tài)，培養(yǎng)人類和非人類組成部分之間的跨界表達？這些組成部分有無可能成為自然、文化、技術(shù)或想象世界的一部分？

“閾限接處”提供三種主要的現(xiàn)場體驗：

拖著……一個非凡的人生

盡管宏大敘事聲稱繪畫已經(jīng)終結(jié)，但在對技術(shù)和數(shù)字創(chuàng)新的狂熱追求中，繪畫依然是藝術(shù)家們不斷重塑歷史并提供豐富經(jīng)驗的開放領(lǐng)域，這些所提供的經(jīng)驗將我們的感知和情感與非凡事物緊密聯(lián)系在一起。

彼得·維米爾施（Pieter Vermeersch）在畫布和建筑環(huán)境上創(chuàng)造出微妙而強大的色彩漸變光譜，并將顏料與其他材料和技術(shù)（如大理石上絲網(wǎng)印刷）相結(jié)合。他的藝術(shù)是遠非侵入性的，是基于與我們的身體、城市和自然環(huán)境以及我們內(nèi)在精神空間的親密共鳴、振動和連接的出現(xiàn)。

約翰·阿姆萊德（John Armleder）深入研究繪畫和抽象，總是將我們的目光引向構(gòu)成我們?nèi)粘Ｉ畹钠椒布揖?、物件和樂器之間的碰撞，顛覆我們的社會現(xiàn)實以引起我們對被經(jīng)常忽略的“非凡”生活的核心的關(guān)注。

克里斯蒂安·博內(nèi)福伊（Christian Bonnefoi）探索了繪畫的無限可能性，質(zhì)疑其述詞和歷史，試驗與表面、透明與不透明、邊緣與延伸、組合與繁衍的多種關(guān)系。他通過將不同層次的紙張制作令人驚嘆的拼貼畫，將我們與不可見的圖像的力量相連接。

歡迎……無名者們

從（后）工業(yè)時代向數(shù)字時代的轉(zhuǎn)變是令人眩暈且具有決定性的：當機器、技術(shù)和工業(yè)無休止地（再）生產(chǎn)商品以形成并滿足迫切的消費主義社會的需求的同時，數(shù)字技術(shù)已能夠預測和控制身體、身份和行為。

詹尼斯·科內(nèi)利斯（Jannis Kounellis）徹底顛覆了工業(yè)、文化和藝術(shù)的既定規(guī)范，同時根據(jù)我們腳踏實地重新融入生活的能力，發(fā)展出一種深刻而獨特的詩意姿態(tài)。床架、木炭、火、衣物、油燈、鉛、鐵板等材料被組合成巨大的“畫作”面板，讓我們重新感受到極致而強烈的世界的原始性與物質(zhì)性體驗。

藝術(shù)家二人組伊塔·尤達 (Ittah Yoda) 通過將人工智能和虛擬現(xiàn)實技術(shù)與生物組成部分、本土實踐、以及科學研究相結(jié)合，擴展了繪畫媒介，創(chuàng)造出未知神秘但深度有機的形態(tài)與環(huán)境的新表現(xiàn)形式，從而呈現(xiàn)其持續(xù)的轉(zhuǎn)變過程。

尼古拉斯·赫洛博（Nicholas Hlobo）則選擇不用畫筆作畫，而是用刀和剪刀切割和縫制畫布，并結(jié)合其他材料（如皮革和緞帶等），展示出傷痕、創(chuàng)口、縫隙和針腳，以一種動態(tài)和另類的方式重新映射（后）殖民歷史，以及個人和集體記憶。漂浮于不受構(gòu)圖束縛的背景之上，赫洛博的形狀既可以指代抽象或有機形態(tài)，也可以指向微觀細胞或空間星座。

代表著……超越語言、國界和風景

現(xiàn)今，在藝術(shù)和社會歷史中，人們認識到“風景”是我們習慣稱之為“現(xiàn)實”、“自然”或“社會”之物的一種人為建構(gòu)。因此，文字和圖像在發(fā)展關(guān)于我們?nèi)绾伪憩F(xiàn)、構(gòu)架、甚至是控制世界的敘述方式中起著至關(guān)重要的作用。然而，少數(shù)藝術(shù)家正在嘗試挑戰(zhàn)這種敘述和藝術(shù)流派的界限，呼吁人們重新想象圖像如何傳達對空間、時間和歷史的深刻感知，觸及那些未說出口、被遺忘的事物，從而闡明始終保持形式、語言和解釋多樣化的重要性。

安娜·伊娃·伯格曼（Anna-Eva Bergman）采用金屬薄箔（金和/或銀）與乙烯基、油畫顏料或丙烯涂料相結(jié)合于木板或畫布上，創(chuàng)作極簡風格繪畫。她的藝術(shù)創(chuàng)作基于對自然元素（空氣、水、土、金屬、火/光）的親密而深刻的感知，悉心關(guān)注其空隙，從而展現(xiàn)山脈、巖石、天空、陸地和海洋之間的接觸地帶。

伊夫·克萊因的孫女賽法·克萊因（Seffa Klein），采用煉金術(shù)般的精細過程融化鉍來創(chuàng)作她的畫作。鉍這種元素金屬具有獨特的化學性質(zhì)，包括高密度、低熔點和凝固時膨脹。根據(jù)時間、溫度、光線、液化和凝固的不同參數(shù)，熔化的金屬會因光在其表面的折射和反射產(chǎn)生多種彩虹色。

保羅·米納德（Paul Mignard）將風景轉(zhuǎn)換為通往令人著迷和神秘的形狀、顏色、材料、光度等層次的旅程。他將閃光顏料吹到畫布上，將抽象形狀與空間星座、符號、神秘標志、以及古老經(jīng)文相結(jié)合，創(chuàng)造出我們不斷變化的世界的反制圖景。他的作品提供了一種令人印象深刻的體驗，其中有機形態(tài)、血管系統(tǒng)、古老傳統(tǒng)與當代文化都在抵抗任何形式的封閉、排斥和系統(tǒng)化。

閾限接處

“閾限接處”解開了表征的密碼，以便更好地連接生命元素，讓我們能夠參與到變革、意外邂逅、延伸和結(jié)合、萌發(fā)和綻放之中。比起關(guān)注那些引起媒體、技術(shù)、地理、人物和文化之間對立的無益爭論，我們更應感知和質(zhì)疑生命與理想世界之間的滲透和相互關(guān)系。從對自然元素的親密體驗到對理論概念、傳統(tǒng)宇宙學和數(shù)字元宇宙的有力擁抱，或許并沒有那么多矛盾，反而充滿了無限可能性！

關(guān)于藝術(shù)家

約翰·阿姆萊德（John Armleder）1948年出生于瑞士日內(nèi)瓦，是那一代最有影響力的瑞士藝術(shù)家之一。約翰·阿姆萊德跨越五十年的職業(yè)生涯融合了該時期中各種相互競爭的美學發(fā)展歷程。他是上世紀六十年代日內(nèi)瓦激浪派的一員，同時也是ECART GROUP 的創(chuàng)始人。其作品以多樣化聞名，其中包括激浪派精神、抽象藝術(shù)、現(xiàn)成品和雕塑、表演藝術(shù)， 以及房間大小的裝置藝術(shù)。

阿姆萊德的“傾瀉繪畫”將注意力集中在畫布上顏料的流動。在每一幅畫中，他都強調(diào)了流暢的書法弧線（以及從中滴落的水滴），引導抽象表現(xiàn)主義和行動繪畫的能量。然而，正如他的作品經(jīng)常出現(xiàn)的那樣，這些畫作以輕松愉快的方式欣賞材料的巧妙性質(zhì)以及內(nèi)在的視覺趣味，取代了現(xiàn)代主義前輩的莊嚴，更不用說創(chuàng)造和觀看充滿活力的色彩飛濺的行為本身了。

他的部分個展和群展包括：“YAKETY YAK”，MRAC，法國（2023）；“再，再”，外灘美術(shù)館，上海，中國（2021）；“IT NEVER ENDS”，蓬皮杜卡納爾中心，布魯塞爾，比利時（2021）；“DELLAMATERIA SPIRITUALE”，國立21世紀藝術(shù)博物館，羅馬，意大利（2020）；阿斯彭藝術(shù)博物館，科羅拉多州，美國（2019）；席恩美術(shù)館， 法蘭克福，德國（2019）；多納雷吉納當代美術(shù)館MADRE，那不勒斯，意大利（2018）；博爾扎諾美術(shù)館，意大利（2018、2016）；第戎當代藝術(shù)中心，法國（2014、1996、1989）等。阿姆萊德于2011年獲得梅拉·奧本海姆獎（MERET OPPENHEIM PRIZE)，于2007年獲得LEENAARDS FOUNDATION PRIZE，并于1995 年獲得VILLE DE GENÈVE PRIZE。他曾參加塞薩洛尼基當代藝術(shù)雙年展，希臘（2013）；橫濱國際當代藝術(shù)三年展，日本（2008）；布拉格雙年展，捷克（2008）；第七屆里昂當代藝術(shù)雙年展，法國（2003）以及第42屆威尼斯雙年展，意大利（1986）。

安娜·伊娃·伯格曼（Anna-Eva Bergman）出生于1909年，曾與漢斯·哈同（Hans Hartung）結(jié)過兩次婚。伯格曼生前為人們所熟知，但在她去世后，她的作品卻被藝術(shù)史學家們拋在了腦后。除了她是一名女性，而當時藝術(shù)史是男性的天下這一事實之外，她的作品和藝術(shù)選擇的獨特性也掩蓋了她在戰(zhàn)后藝術(shù)界的重要性。正如安妮·克勞斯特（Annie Claustres）所寫：“安娜·伊娃·伯格曼的作品并不屬于‘先鋒派’的線性歷史。金箔或銀色顏料等材料的使用，以及與形而上的風景概念相聯(lián)系的象征主義，使她與 20 世紀的美學問題相去甚遠。”這或許就是為什么她的作品被拿來與在世的藝術(shù)家相比，在當代藝術(shù)界引起如此大的反響。如歷史學家奧勒·亨里克·莫伊（Ole Henrik Moe）所強調(diào)的那樣，她的作品是“抽象與自然的結(jié)合”，她的作品既具有當代性，又具有普遍性。

伯格曼的作品曾兩次在都靈展出，第一次是 1969 年在市政博物館舉辦的回顧展，另一次是 1975 年在 Annunciata 中心舉辦的展覽。奧斯陸當代藝術(shù)博物館于 2015 年 11 月舉辦了她的大型作品展，最近，馬德里索菲亞王后博物館將于 2021 年為她舉辦大型專題展。2023 年，巴黎現(xiàn)代藝術(shù)博物館舉辦了她的大型回顧展。她的作品被世界眾多博物館收藏，并被路易威登基金會（巴黎）、薩姆達尼藝術(shù)基金會（孟加拉國）和卡雷藝術(shù)館（尼姆）等當代藝術(shù)機構(gòu)收藏。

克里斯蒂安·博內(nèi)福伊（Christian Bonnefoi）1948年出生于法國，自 20 世紀 70 年代以來一直是法國當代藝術(shù)界的一位獨特人物，他以一種激進的方式，特別是通過拼貼技術(shù)，對繪畫的各個組成部分進行分解和重新藝術(shù)化，并在此基礎上形成了自己的創(chuàng)作實踐。博內(nèi)福伊對繪畫的物質(zhì)性和幾何形狀特別感興趣，他的作品在抽象和具象之間搖擺不定，同時與 20 世紀的大師和先鋒派（馬蒂斯、畢加索、幾何抽象、極簡主義等）進行了多次對話。博內(nèi)福伊著有大量文章和書籍，他目前是 Eliott 的 "L'Éclectique "收藏館長，該館每年出版 4 至 5 卷有關(guān)藝術(shù)、心理分析、哲學和神學的書籍。

博內(nèi)福伊的作品在國際博物館和展覽中展出，其中包括巴黎蓬皮杜國家現(xiàn)代藝術(shù)博物館（2008年舉辦了他的首次回顧展）、法國尼斯 Cateau-Cambrésis 的馬蒂斯博物館；讓·保羅·納賈爾基金會，迪拜（南非）；愛馬仕基金會Le Forum，東京（日本）；愛馬仕基金會La Verrière，布魯塞爾（比利時）；紐約現(xiàn)代藝術(shù)博物館（MoMA PS1），紐約（美國）；巴黎市現(xiàn)代藝術(shù)博物館（法國）；FNAC，巴黎國家當代藝術(shù)基金會（法國）等。

尼古拉斯·赫洛博（Nicholas Hlobo）1975年出生于南非開普敦，現(xiàn)居住和工作于約翰內(nèi)斯堡。他的職業(yè)生涯開始于 1994 年種族隔離制度結(jié)束之時，當時南非涌現(xiàn)了新的自由感和民族自豪感。對祖國民主現(xiàn)實的微妙評論以及對不斷變化的國際藝術(shù)話語的關(guān)注仍然是賀羅伯作品的核心。赫洛博使用有質(zhì)感的材料（例如絲帶、皮革、木材和橡膠碎屑）進行融合和編織，創(chuàng)造出復雜的二維和三維混合物體。每種材料都與文化、性別、性或種族身份有著特定的聯(lián)系。這些作品共同創(chuàng)造了一個復雜的視覺敘事，反映了賀羅伯的祖國南非以及世界各地的文化二分法。他令人回味的擬人化意象和隱喻性十足的素材闡明了這位藝術(shù)家在其南非傳統(tǒng)背景下的多面身份。

赫洛博于 2002 年獲得約翰內(nèi)斯堡威特沃特斯蘭德理工學院的美術(shù)學位。他的作品被收錄在許多國際公共和私人收藏中，包括倫敦泰特現(xiàn)代美術(shù)館、紐約大都會藝術(shù)博物館、巴黎路易威登基金會、薩凡納藝術(shù)設計學院（SCAD）藝術(shù)博物館、底特律藝術(shù)學院和開普敦蔡茨當代非洲藝術(shù)博物館。他曾在海牙 Beelden aan Zee 博物館（2016）、佐治亞州薩凡納藝術(shù)設計學院（2010）和倫敦泰特現(xiàn)代美術(shù)館（2008）舉辦過個人博物館展覽。赫洛博曾參加過多個雙年展，包括第 18 屆澳大利亞悉尼雙年展（2012）、第 54 屆威尼斯雙年展（2011）、第 6 屆利物浦雙年展（2010）和第 3 屆中國廣州三年展（2008）。

伊塔·尤達（Ittah Yoda）由 Kai Yoda 和 Virgile Ittah 組成，工作地點在柏林、巴黎和東京。他們都曾就讀于倫敦皇家藝術(shù)學院。Kai Yoda 最初在東京著名的慶應義塾大學學習環(huán)境信息專業(yè)，2011 年在倫敦皇家藝術(shù)學院攻讀攝影和動態(tài)影像專業(yè)，并在那里遇到了專攻雕塑的 Virgil Ittah。兩人于 2013 年從皇家藝術(shù)學院畢業(yè)后組成了二人組。

伊塔·尤達的作品預示了一個后人類世界，一個人類、自然和數(shù)字和諧共存的 "共生世"。共生世 "這個詞是基于共生的概念，這種持久互利的關(guān)系對于參與交換的每一個生命來說都是如此。共生關(guān)系已經(jīng)可以在自然界中觀察到，例如浮游植物和浮游動物之間的關(guān)系，二人與生物學家共同研究了這一關(guān)系，并將其抽象化，使其成為連接二人不同實踐中所有元素的知識和藝術(shù)素材。他們的作品必須被視為一個生態(tài)系統(tǒng)，他們投入的眾多媒介（雕塑、裝置、虛擬現(xiàn)實、繪畫、家具等）中的每一個都充當一個物種，每種形式都與其祖先共享遺傳藝術(shù)的信息。

波吉畫廊于 2023 年春季舉辦了他們的首次個展，同時還在法國萊利拉斯讓-科克托文化中心、法國昂熱美術(shù)館和法國國際藝術(shù)與鄉(xiāng)村中心舉辦了多次聯(lián)展和個展。2024年初，他們的作品在鹿特丹的 Huiden 俱樂部和阿維尼翁的蘭伯特收藏館展出。伊塔·尤達已經(jīng)舉辦過多次展覽，包括法國巴黎巴塞爾藝術(shù)博覽會的巴黎+、美國紐約軍械庫藝博會、法國巴黎埃菲梅爾大皇宮的the Palais Augmenté、法國尼斯109雙年展、法國阿爾勒雙年展、法國巴黎 Poush Manifesto、日本東京 Sprout Curation、英國倫敦 Annka Kultys Gallery、法國巴黎 Cité International des Arts、英國倫敦 Frieze N°9 Cork Street、西班牙馬德里 ARCO 等。據(jù)《世界報》報道，他們是 2022 年最有前途的藝術(shù)家之一。

塞法·克萊因（Seffa Klein）1996年出生于美國亞利桑那州鳳凰城。作為伊夫·克萊因（Yves Klein）的孫女、藝術(shù)家凱西·克萊因（Kathy Klein）和伊夫·阿木·克萊因（Yves Amu Klein）的女兒，塞法·克萊因擁有令人印象深刻的藝術(shù)血統(tǒng)，以其抽象、煉金術(shù)和腦科學作品而聞名。2019年，Artnet將她列為洛杉磯九位值得關(guān)注的新興藝術(shù)家之一。

自2017年以來，她一直在玻璃畫布上創(chuàng)作作品，使用的不是油漆，而是鉍，她點燃鉍以呈現(xiàn)其顏色，玩弄這種金屬的虹彩及其象征意義（即使不是煉金術(shù)意義）。這些作品不僅僅是純粹的抽象，它們還代表了宇宙能量或基于支配宇宙法則的神圣數(shù)學的幾何系統(tǒng)。塞法·克萊因熱愛科學，尤其是數(shù)學和化學，她將純粹的概念和/或精神，甚至冥想的方法與深刻的手工和身體實踐融合在一起：玩火來改變物質(zhì)的形式和內(nèi)部組織，在熔融的金屬中繪畫和雕刻，有時與石膏結(jié)合，焚燒花朵，在冷卻的金屬凝固物中凝結(jié)植物。塞法·克萊因的作品雖然堅定地轉(zhuǎn)向宇宙，但同樣扎根于自然、礦物、植物和動物世界。

詹尼斯·科內(nèi)利斯（Jannis Kounellis，1936-2017）是一位與貧窮藝術(shù)運動有關(guān)的希臘裔意大利藝術(shù)家。他于 1936 年出生于希臘比雷埃夫斯，后來移居羅馬，并成為國際藝術(shù)界的知名人物。20 世紀 60 年代初，他成為貧窮藝術(shù)運動的主要倡導者，貧窮藝術(shù)運動強調(diào)原始、元素的美學，拒絕傳統(tǒng)的藝術(shù)媒介?？苾?nèi)利斯因其開創(chuàng)性的裝置藝術(shù)而廣受認可，這些裝置藝術(shù)融合了現(xiàn)成的物品、活體動物和各種材料。1969 年，他展示了他最具代表性的作品之一《無題（12 匹馬）》，其中的活馬拴在畫廊空間的墻壁上。這件作品體現(xiàn)了他對創(chuàng)造沉浸式、多感官體驗的興趣，挑戰(zhàn)了藝術(shù)與生活的界限。在他的整個職業(yè)生涯中，庫奈利斯一直在探索變革、儀式以及自然界和工業(yè)世界之間的關(guān)系等主題。他的作品經(jīng)常融入煤炭、鋼鐵、木材和布料等日常材料，為貧窮藝術(shù)的獨特美學做出了貢獻。

詹尼斯·科內(nèi)利斯的作品在全球各地廣泛展出，參加過卡塞爾文獻展和威尼斯雙年展等重大藝術(shù)活動。他的作品多被世界上許多重要的美術(shù)館、基金會和私人所收藏。是在全世界各地最重要的博物館展出頻率最高的藝術(shù)家。1972年以來，他曾七次參加了威尼斯雙年展。1972年至1982年十年間他受邀參加卡塞爾文獻展。

科內(nèi)利斯于 2017 年 2 月 16 日在羅馬去世，留下了豐富而有影響力的作品，這些作品因其實驗性質(zhì)和對人類體驗的深刻參與而繼續(xù)受到贊譽。

保羅·米納德（Paul Mignard）1989年出生于法國巴黎，保羅·米納德的作品探索景觀的方方面面，無論是室內(nèi)還是室外，真實還是想象，有時是根據(jù)旅行記憶重建的。他在印花織物或無框空白畫布上創(chuàng)作，然后將畫布釘在墻上。他混合顏料和閃粉，創(chuàng)作出夢幻般的圖像，靈感來自制圖學、神秘主義和人類學。他使用丙烯酸媒介，將顏料、金屬粉末和閃光粉直接篩分或吹到松散的畫布上，有時會事先印好，總是無框展出。他色彩斑斕的水彩作品展現(xiàn)了視覺上的拼貼畫，讓人聯(lián)想到神秘的圖表，將人體和自然的主題與神秘的符號、幾何圖形以及古代經(jīng)文的部分復制品聯(lián)系在一起——尤其是象形文字和表意文字。保羅·米納德深受道家學說的啟發(fā)，他通過對精神景觀的描繪，進一步暗示了自我與環(huán)境的相互轉(zhuǎn)化，在這里，過去與現(xiàn)在、現(xiàn)實與想象以及神圣與世俗并不分離，而是不可逆轉(zhuǎn)地聯(lián)系在一起。

最近，他受邀在 Domaine des Oseraies（法國法沃羅勒）駐留。2023年，保羅·米納德受邀為2023年芝加哥世博會 IN/SITU 項目創(chuàng)作一件原創(chuàng)作品。他的作品多次參加個展和聯(lián)展，包括在 Galerie Poggi（法國巴黎）舉辦的“Nopal”展、在 Fabre（法國巴黎）舉辦的“The Return”展、在 Villa Emerige（法國巴黎）舉辦的“Outside Our”展、在 Galerie Michel Journiac（法國巴黎）舉辦的“Le temps des assassins”展以及在 Crédac（法國塞納河畔伊夫里）舉辦的“Rappelles toi de la couleur des fraises”展。

彼得·維米爾施（Pieter Vermeersch）1973年出生于比利時的科特賴克，彼得·維米爾施對繪畫的藝術(shù)研究超越了畫布的限制。他的作品通常包括大型空間干預，不斷顛覆為展覽空間構(gòu)思或根據(jù)現(xiàn)有建筑場地進行調(diào)整的領(lǐng)域。除了沉浸式的繪畫裝置和漸變壁畫外，他的作品還包括一系列短暫的零度畫布畫。通過鑿刻和研磨天然石材的不可逆過程，這些作品被變?yōu)榫唧w的現(xiàn)實。他的作品與一系列照片印刷品或大理石板相得益彰，通過精致的油彩、筆觸或漸變的色面重新激活。以表象和抽象為參數(shù)，維米爾施的作品引發(fā)了無限的感知體驗，向我們展示了一種指涉出現(xiàn)與消失之間差距的色彩感；二維與三維、非物質(zhì)與有形、時間與空間之間的界限變得模糊。

維米爾施2007年榮獲“比利時青年畫家”獎，現(xiàn)在意大利都靈生活工作。在全球各大藝術(shù)家舉辦個展包括西班牙巴塞羅那的Blueproject 藝術(shù)基金會、比利時根特美術(shù)館、日本茨城縣北藝術(shù)節(jié)。委托永久裝置項目包括法國比亞里茨老佛爺百貨外墻、瑞士日內(nèi)瓦公路鹽罐等。他的作品亦獲比利時國家銀行、根特市立當代美術(shù)館、美國羅斯藝術(shù)博物館（Rose Art Museum）等收藏。維米爾施由貝浩登代理，作品參加紐約Frieze 藝博會、瑞士巴塞爾藝術(shù)展、香港巴塞爾藝術(shù)展、西岸藝術(shù)與設計博覽會等。

關(guān)于策展人

拉瑞斯·弗洛杰（Larys Frogier）上海外灘美術(shù)館前館長。自2023年起，擔任由歐洲文化局（巴黎）領(lǐng)銜的長期研究項目“成為世界”的科技及藝術(shù)總監(jiān)，該項目隸屬于歐盟委員會（布魯塞爾）發(fā)起的“歐洲地平線”項目。作為一名策展人、評論家與藝術(shù)史學家，他深入?yún)⑴c到后全球化語境中的藝術(shù)挑戰(zhàn)與社會變革中，持續(xù)生發(fā)的社會、經(jīng)濟與文化轉(zhuǎn)變同時也要求全新的關(guān)聯(lián)方式、公民身份與重新研發(fā)的創(chuàng)造力。

他策劃了多檔展覽，發(fā)表過多部專著與論文，研究并討論了來自如下藝術(shù)家的創(chuàng)作：費利克斯·岡薩雷斯-托雷斯、南·戈爾丁、波拉·彼薇、烏戈·羅迪納、王度和楊詰蒼。

他曾擔任法國雷恩市La Criée當代藝術(shù)中心總監(jiān)，策劃過長期的研討會、駐地、展覽與出版物項目，不斷挑戰(zhàn)廣泛的全球地域之間的聯(lián)結(jié)與斷裂。作為2013年首屆HUGO BOSS亞洲新銳藝術(shù)家大獎的評委會主席，他將該項目構(gòu)想為一個全新的獎項、一場展覽與一系列研究項目，作為一個持續(xù)演變的平臺，推廣新銳藝術(shù)家，將亞洲作為一個持續(xù)的構(gòu)建和亟待調(diào)研的問題而非一個單一的地區(qū)和固定的身份。

拉瑞斯·弗洛杰曾任教于法國雷恩大學，教授藝術(shù)理論，藝術(shù)史和策展課程。他同時也是巴黎社會科學高等學院與藝術(shù)批評文獻庫的研究員。