越界所選擇的藝術(shù)家，皆嘗試著去探索當代繪畫的表面與領(lǐng)域，通過在不同語境下的實踐，積極挑戰(zhàn)傳統(tǒng)的框架和途徑。藝術(shù)家們研究繪畫的表面——多層次的疊加或最大程度的縮減，以及它對于定義作品內(nèi)涵的作用。我們知道繪畫顏料是液態(tài)的，它可以流動、流淌、滴注，它可以自我追逐、肆意橫行，突破畫框的界定；隨即，它可以轉(zhuǎn)化為水滴、水珠、流線、圓點，以及各式各樣出自于藝術(shù)目的而呈現(xiàn)的‘隨機’的表象；從而它們被留了下來，這些‘殘留物’形成了圖像，變成了作品不可分割的一部分。因而，本次展覽通過對于標記和質(zhì)詢表面概念化的強調(diào)，力求在圖像和特異性之間的空隙上架起橋梁。
展覽進程中所強調(diào)的策劃途徑是將差異與類同匯集在同一個單一空間：一個集體主義的迷宮。在這之中，新的對話開始作為繪畫的連貫視覺被定義和分享。如果可能的話，期望被提議的藝術(shù)家所持有的態(tài)度曾經(jīng)經(jīng)歷意味重大的變化，從而引發(fā)對于當代繪畫的典型重建，反映出對于個人經(jīng)驗更加的深思熟慮。這些感知和形態(tài)上的細微變化同時會反應(yīng)在空間層面上：以構(gòu)圖作為一個整體，不同材料、材質(zhì)所帶來的質(zhì)感差異會與整個展覽空間進行互動，引導著觀者不僅從單一的視角去觀察，而是通過不同的視角對作品以及空間產(chǎn)生感悟。
在展覽中視覺作為主體浮現(xiàn)，提議表面和光的主題，成為作品本身的一部分，藝術(shù)家和他們的作品給觀者設(shè)置了一個生理測試，感知器官從而受到強烈的刺激。同時繪畫圖像并非只為了訴求感官領(lǐng)悟，更多的是對于傳統(tǒng)的成型媒介和所提供的闡釋的挑戰(zhàn)。它也像是一件對視覺洞察力提出質(zhì)疑的工具，伴隨著帶有強烈情感色彩的材質(zhì)，探索著繪畫本身所具有的，吸收、或放大個人體驗的能力。另外光的顯現(xiàn)并非簡單地被歸結(jié)于色彩、本體的缺席、或者自然的一部分，還關(guān)乎于空間，例如客體與視覺結(jié)構(gòu)之間的所在。它演示了我們是如何形成“闡釋”。
本次展出作品的美存在于旁觀者的概念里而不是肉眼中。這是個關(guān)于表達的展覽，所憑借的問題伴隨著對于媒介的探索，并且最終，或者說希望知識的主體可以得以拓展。以此，成為一次對于其自我懸而未決的語態(tài)探尋。展覽的設(shè)計企圖由此展開，好似日?，F(xiàn)實偶爾會像墜入鏡面般的水中的一滴顏料四散開，有時又會凝結(jié)成或抽象或具象的形態(tài)。
綜合藝術(shù)作品、其思維出處，以及對于展覽的設(shè)計與構(gòu)成的思考，展覽為觀者提供了諸多途徑，讓觀展時而沉浸其中又時而感受它的虛無，攜觀者領(lǐng)略其非物質(zhì)性、干預性、不穩(wěn)定性、可見和不可見性。在以繪畫表面收到特殊關(guān)注的同時，它帶動活力，我們的眼睛和視覺開始在當代藝術(shù)語境下訴說，吟誦著整個充滿隱喻、情感關(guān)聯(lián)、和批判意味的篇章。